Hay que cuestionarse la relación entre el ser humano y el medio ambiente e ir un paso más allá y aportar con acciones de apoyo con un granito de arena para minimizar el daño a los ecosistemas que se generan por algunas prácticas del hombre, como el simple hecho de arrojar basura a los mares o no reciclar desde casa. En España, el proyecto social La Música del Reciclaje. Un proyecto que tiene como objetivo ofrecer formación musical a menores en riesgo de exclusión social, educándoles en valores y favoreciendo su superación personal. Asimismo, mediante la participación en la construcción de sus propios instrumentos reciclados, se promueve la conciencia sobre la importancia que el reciclaje tiene para el medio ambiente.
Por aquí van algunos enlaces para la realización de instrumentos con material reciclado:
El saxofón es un instrumento musical cónico,
de la familia de los instrumento de viento madera,
generalmente hecho de latón que consta de una boquilla con una caña simple al igual que el clarinete. Fue inventado por Adolphe Sax a principios de la década de los años 1840.
El saxofón se asocia comúnmente con la música popular, la música de big band y el jazz.
A los intérpretes del instrumento se les llama saxofonistas o saxos, aunque esta última se emplea
para denominar al propio instrumento de viento.
Se desconoce el origen de la inspiración que llevó a Sax a crear el
instrumento, pero la teoría más extendida es que, basándose en el clarinete, instrumento que él tocaba, empezó a concebir la
idea de construir un instrumento que tuviera la fuerza de uno de metal y las
cualidades acústicas de uno de madera, una especie de "clarinete de
metal". Pero después de un intenso trabajo de pruebas y experimentos sobre
modificaciones para lograr una mayor sonoridad y un sonido más metálico, Sax se
dio cuenta de que había construido un nuevo instrumento: el saxofón.
El cuerpo del saxofón está compuesto por un tubo cónico y delgado,
comúnmente de latón, que se ensancha en su extremo para
formar una campana. A lo largo del
tubo existen entre 20 y 23 agujerosde tono de tamaño variable, incluyendo dos agujeros muy pequeños de octava para ayudar a la
interpretación del registro superior,
aunque éstos no sean esencialmente necesarios para interpretar dicho registro.
Estos agujeros están cubiertos por almohadillas, que presionan los agujeros
para producir un sello hermético. En reposo, algunos agujeros están abiertos y
otros están cerrados por las almohadillas, que se controlan mediante varias
llaves con los dedos de ambas manos, mientras que el pulgar derecho se sitúa
debajo de un soporte que ayuda a mantener el saxofón equilibrado. La digitación del
saxofón es una combinación entre la digitación del oboe y el sistema Boehm, siendo muy similar a la digitación de la flauta travesera o el registro superior del clarinete. En
los instrumentos más grandes, la palanca requerida para interpretar las notas
más bajas (que habitualmente se tocan con los meñiques de ambas
manos) es bastante grande, por lo que se introduce un conjunto de llaves
adicional para permitir interpretar dichas notas con los pulgares.
El cuerpo cónico del saxofón le otorga propiedades más similares a las
del oboe que al clarinete. El diseño más simple del saxofón es un tubo recto
troncocónico y los saxofones sopraninos y soprano tienen, por
lo general, este diseño recto. Sin embargo, como los instrumentos con notas
graves serían inaceptablemente largos si fueran totalmente rectos, por motivos ergonómicos los instrumentos más grandes, por lo general,
incorporan un recodo en forma de U en el tercer agujero de tono más grave o
ligeramente encima de él. Como esto causaría que la campana del instrumento
señalara casi directamente hacia arriba, el final del instrumento es o biselado
o inclinado ligeramente hacia adelante. Este recodo se ha convertido en un
rasgo icónico de la familia del saxofón, hasta el punto de que el saxofón
soprano, e incluso el sopranino, a veces están fabricados en el estilo curvo
aun cuando no sea estrictamente necesario. En cambio, aunque los altos y tenores rectos también existen, son más raros. Sin
embargo, lo más común es que los saxofones altos y tenor incorporen un recodo curvo encima
del agujero de tono más alto, pero debajo de la llave de octava superior, inclinando la boquilla formando
un ángulo recto. El barítono, el bajo y el contrabajo amplían
la longitud del calibre principalmente por el plegado doble de esta sección.
Con una digitación sencilla, el saxofón moderno es generalmente
considerado un instrumento fácil de aprender, especialmente cuando se procede
de otros instrumentos de viento madera,
aunque a pesar de esto se requiere una cantidad considerable de práctica y
trabajo para alcanzar un sonido con color y correctamente afinado. El saxofón
usa una boquilla con una sola caña similar a la del clarinete, aunque es mayor la del saxofón y posee una cámara
interior hueca redonda o cuadrada y es más amplia que la del clarinete.
Hoy hablaremos sobre el rock, un término amplio que agrupa a una variedad de géneros musicales. Su forma
originaria, conocida como rock and roll, surgió mayormente de la
combinación de dos géneros anteriores como eran el rhythm and blues y
el country. La música rock también
se nutrió fuertemente del blues y el folk, e incorporó
influencias del jazz, la música clásica y otras fuentes. El rock se ha centrado en la guitarra
eléctrica, normalmente como parte de un grupo de rock con cantante, bajo, batería y,
algunas veces, instrumentos de teclado como el órgano y el piano.
Típicamente, el rock es
una música centrada en las canciones, habitualmente con compás de
4/4 y usando una estructura verso-estribillo, pero el género se ha vuelto
extremadamente diverso y las características musicales comunes son difíciles de
definir. Como la música pop, las letras se centran a menudo en el amor
romántico, pero también tratan un rango amplio de otros temas con un enfoque
frecuente en lo social y lo político. El rock pone más énfasis en la composición,
la actuación en vivo y la autenticidad que la música pop.
A finales de la década de
1960, referida como la "era dorada" o el periodo del "rock clásico", surgieron
distintos subgéneros distintivos del rock, híbridos como el blues rock, folk rock, country
rock y el jazz rock fusión, muchos de los cuales contribuyeron
al desarrollo del rock psicodélico, influenciado por la escena
psicodélica contra - cultural. Los nuevos géneros que emergieron de esta escena
incluyen el rock progresivo, que extendió los elementos artísticos; el glam
rock, que resaltó el espectáculo en vivo y el estilo visual; y el subgénero
mayor, diverso y longevo que es el heavy metal, que se centraba en el
volumen, el poder y la velocidad. En la segunda mitad de los años 1970, el punk intensificó
y reaccionó contra algunas de estas tendencias para producir una música cruda y
energética. El punk fue una influencia en la década de 1980 en el desarrollo
subsecuente de otros subgéneros, entre ellos el new wav, el post - punk y
el movimiento del rock alternativo. Desde la década de 1990, el rock
alternativo comenzó a dominar el género y saltó a la fama en las formas de grunge, Britpop e indie
rock. Desde entonces han aparecido otros subgéneros de fusión como el pop
punk, rap rock y nu metal, así como intentos conscientes de
recordar la historia del rock, incluyendo la restauración de principios del
nuevo milenio del garage rock, el post - punk y el synth pop.
La música rock también
abarcó y sirvió de vehículo para los movimientos culturales y sociales,
llevando a la creación de subculturas importantes incluyendo los mods y
los rockers en el Reino Unido, y la contracultura hippie que
se propagó en San Francisco (Estados Unidos) en la década de 1960.
Les presento unos vídeos para realizar en clase
actividades de ritmo. Estas actividades sirven para repasar las figuras, los
silencios, los compases, etc. También son interesantes para desarrollar la
atención, la coordinación y la memoria musical. La actividad consiste en
interpretar los ritmos que aparecen en el vídeo siguiendo el pulso propuesto,
así de sencillo. Los ritmos van apareciendo por compases, en los ejemplos que
vais a ver salen fórmulas rítmicas de 4/4 de forma continua. Las figuras
musicales propuestas en los ritmos son Negra, Corcheas, Silencio de Negra y el
ritmo Corchea-dos semicorcheas. Los vídeos pertenecen al canal de vídeo de la
profesora de música Debbie O'Shea, podéis consultarlo para buscar otros vídeos
con ritmos.
¿Cómo podemos ampliar la actividad?
Podemos interpretar los ritmos con palmas, con las
sílabas TA (negra) TI TI (corcheas) TACA (semicorcheas), con baquetas en la
silla, coordinando las dos manos, etc. Es interesante que las negras tengan un
sonido y las corcheas otro diferente, hoy en clase hemos probado con los vasos
de la siguiente forma: Vaso boca abajo para la negra, vaso boca arriba para las
corcheas.
Podemos proponer otras sílabas para las diferentes
figuras o diferentes sonidos percutidos. Para ello, buscamos sonidos con los
cacharros de clase y la percusión corporal, con un poco de imaginación habría
que conseguir que ningún alumno repita sonido.
Por supuesto, podemos crear nuestros propios vídeos
para cambiar las fórmulas rítmicas y adaptarlas a los ritmos y figuras que
estemos aprendiendo en clase.
La flauta travesera, a
pesar de estar hecha de metal, pertenece a la familia del viento-madera porque
las primeras flautas que se construyeron eran todas de madera, pero con la
aparición de las máquinas comenzaron a construirse mayoritariamente de metal.
La flauta travesera tiene una embocadura de bisel. Para poder hacer diferentes
notas, hay que apretar las llaves metálicas con los dedos. Las flautas
traveseras en la orquesta suelen estar al lado de los oboes y delante de los
clarinetes. Existen diferentes tamaños, pero las flautas más utilizadas son: el
flautín y la flauta travesera (en Do).
Los materiales con que se
construye son: (antiguamente) hueso, madera, metal de un tipo o diversas
aleaciones, plástico, alpaca o combinaciones entre todos ellos. En la elección
de los diferentes materiales inciden cuestiones como el nivel del ejecutante y
su presupuesto, en relación al costo de un instrumento hecho de metales
preciosos. También algunos flautistas creen que el material influye decisivamente
en el sonido, y así se atribuye a la plata un sonido claro y brillante, al oro
un sonido cálido y más oscuro, lo mismo que a las flautas de madera. Un estudio
que utilizó flautas de siete materiales distintos no encontró evidencias de que
el material del tubo tenga algún efecto apreciable en el color del sonido o el rango
dinámico del instrumento. El aspecto más importante es la idea del sonido de la
flauta que cada ejecutante construya con su estudio. Es la columna de aire, que
vibra dentro del tubo y que es puesta en acción por el aliento del flautista,
la que crea el sonido que escuchamos.
EVOLUCIÓN
La flauta travesera
tradicional estaba fabricada de madera, y básicamente consistía en un tubo en
el cual se practicaban los pertinentes orificios. En el siglo XIX Theobald Böhm
perfeccionó el instrumento, modificando el método de fabricación, añadiéndole
nuevos orificios e introduciendo un sofisticado sistema de llaves, más
ergonómico, que facilitaba la digitación. Si bien se puede fabricar con platos
cerrados (es decir, la llave que pulsa cada dedo carece de orificio), lo
habitual hoy día es fabricarla con platos abiertos.
Desde entonces el diseño
de la flauta travesera no ha sufrido prácticamente cambios de importancia. Sin
embargo, los materiales para fabricarla sí han cambiado; hoy en día, se
fabrican flautas de metal, plata y hasta oro. La calidad de su material influye
mucho en la calidad del sonido. Además, mejora notablemente si se fabrica la
boquilla con especificaciones detalladas que varían según el intérprete y sus
necesidades o requerimientos. La flauta travesera es uno de los instrumentos de
viento más complicados de tocar sobre todo por la posición de la embocadura
para hacerla sonar, destacando también las octavas que necesitan una mayor
fuerza del aire. También es el instrumento capaz de llegar más agudo contando
con 3 octavas y 4 Do, sin contar con la presencia de su hermano el piccolo, que
es mucho más agudo que ésta, simplemente que es menos usado: se utiliza sobre
todo en pasajes precoces ya que es cuando se aprecia mejor el sonido del
piccolo.
La orquesta filarmónica es una agrupación o conjunto musical de gran tamaño que
cuenta con varias familias de instrumentos musicales, como el viento madera,
viento metal, percusión y cuerda. Una orquesta sinfónica o filarmónica tiene,
generalmente, más de ochenta músicos en su lista. Sólo en algunos casos llega a
tener más de cien, pero el número de músicos empleados en una interpretación
particular puede variar según la obra que va a ser ejecutada. El término
«orquesta» se deriva de un término latino que se usaba para nombrar a la zona
frente al escenario destinada al coro y significa ‘lugar para bailar'.
La orquesta sinfónica u
orquesta filarmónica es una agrupación o conjunto musical de gran tamaño que
cuenta con varias familias de instrumentos musicales, como el viento madera,
viento metal, percusión y cuerda. Una orquesta sinfónica o filarmónica tiene,
generalmente, más de ochenta músicos en su lista. Sólo en algunos casos llega a
tener más de cien, pero el número de músicos empleados en una interpretación
particular puede variar según la obra que va a ser ejecutada. El término
«orquesta» se deriva de un término latino que se usaba para nombrar a la zona
frente al escenario destinada al coro y significa ‘lugar para bailar'.
La orquesta de cámara o
sinfónica típica consta de cuatro
grupos proporcionales de instrumentos musicales similares, por lo
general aparecen en las partituras en el siguiente orden (con sus respectivas
proporciones indicadas):
Viento madera: 1 flautín, 2 flautas,
2 oboes, 1 corno inglés, 2 clarinetes y 2 fagots.
Ocasionalmente también se incluyen 1 clarinete bajo o 1 contrafagot y saxofones
Viento metal: de 2 a 5 trompetas,
de 2 a 6 trompas, 2 o 3 trombones tenores y 1 o 2 bajos.
Ocasionalmente, 1 tuba.
Percusión: varía muchísimo
dependiendo de la obra, pudiendo encontrar timbales y caja.
Cuerdas: 40 violines, de 8 a 12 violas o
más, de 8 a 12 chelos o más y de 5 a 8 contrabajos o
más. Ocasionalmente también se incluyen arpa y piano.
Cada sección de la
orquesta tiene una colocación determinada de 15 tipos de instrumentos, que ha
venido siendo normalizada por la potencia sonora de los instrumentos. Así, los
instrumentos de cuerda se sitúan al frente, de más agudo a más grave, detrás se
colocan los instrumentos de viento, primero madera y luego metal, y al final se
colocan los instrumentos de percusión y el piano.
De estos instrumentos,
hay muchos que son el corazón de la orquesta y nunca se renuncia a ellos, y
otros que son auxiliares y no siempre aparecen en la orquesta, pese a ser parte
del modelo estándar. Por ejemplo, los violines son imprescindibles pero el
piano no siempre se encuentra.
El director de la
orquesta cumple con una función principal respecto a la orquesta sinfónica,
puesto que es el que la dirige e incluso da la formación musical. Es una
persona que no sólo mantiene el tiempo de la pieza y da las entradas de los
instrumentos para que la interpretación sea coherente, sino que debe
interpretar la partitura según el concepto “global”, manteniéndose fiel al
espíritu original de la obra, pero dando una visión personal. Para conseguirlo,
debe conocer en profundidad la vida y obra de los compositores. El director no
aparece en la orquesta hasta el siglo XIX, cuando realmente se establecieron
los estándares de orquesta sinfónica, y surgió casi por motivos estéticos.
Antes era el primer
violín (concertino), el clavecinista u organista quien dirigía (continuista), y
actualmente se encargan de afinar el conjunto y de la colocación del director
dentro del campo visual de los intérpretes. El solista en las obras se sitúa
junto al director.
