EL SAXOFÓN

EL SAXOFÓN

El saxofón es un instrumento musical cónico, de la familia de los instrumento de viento madera, generalmente hecho de latón que consta de una boquilla con una caña simple al igual que el clarinete. Fue inventado por Adolphe Sax a principios de la década de los años 1840. El saxofón se asocia comúnmente con la música popular, la música de big band y el jazz. A los intérpretes del instrumento se les llama saxofonistas o saxos, aunque esta última se emplea para denominar al propio instrumento de viento.

Se desconoce el origen de la inspiración que llevó a Sax a crear el instrumento, pero la teoría más extendida es que, basándose en el clarinete, instrumento que él tocaba, empezó a concebir la idea de construir un instrumento que tuviera la fuerza de uno de metal y las cualidades acústicas de uno de madera, una especie de "clarinete de metal". Pero después de un intenso trabajo de pruebas y experimentos sobre modificaciones para lograr una mayor sonoridad y un sonido más metálico, Sax se dio cuenta de que había construido un nuevo instrumento: el saxofón.

El cuerpo del saxofón está compuesto por un tubo cónico y delgado, comúnmente de latón, que se ensancha en su extremo para formar una campana. A lo largo del tubo existen entre 20 y 23 agujeros de tono de tamaño variable, incluyendo dos agujeros muy pequeños de octava para ayudar a la interpretación del registro superior, aunque éstos no sean esencialmente necesarios para interpretar dicho registro. Estos agujeros están cubiertos por almohadillas, que presionan los agujeros para producir un sello hermético. En reposo, algunos agujeros están abiertos y otros están cerrados por las almohadillas, que se controlan mediante varias llaves con los dedos de ambas manos, mientras que el pulgar derecho se sitúa debajo de un soporte que ayuda a mantener el saxofón equilibrado. La digitación del saxofón es una combinación entre la digitación del oboe y el sistema Boehm, siendo muy similar a la digitación de la flauta travesera o el registro superior del clarinete. En los instrumentos más grandes, la palanca requerida para interpretar las notas más bajas (que habitualmente se tocan con los meñiques de ambas manos) es bastante grande, por lo que se introduce un conjunto de llaves adicional para permitir interpretar dichas notas con los pulgares.

El cuerpo cónico del saxofón le otorga propiedades más similares a las del oboe que al clarinete. El diseño más simple del saxofón es un tubo recto troncocónico y los saxofones sopraninos y soprano tienen, por lo general, este diseño recto. Sin embargo, como los instrumentos con notas graves serían inaceptablemente largos si fueran totalmente rectos, por motivos ergonómicos los instrumentos más grandes, por lo general, incorporan un recodo en forma de U en el tercer agujero de tono más grave o ligeramente encima de él. Como esto causaría que la campana del instrumento señalara casi directamente hacia arriba, el final del instrumento es o biselado o inclinado ligeramente hacia adelante. Este recodo se ha convertido en un rasgo icónico de la familia del saxofón, hasta el punto de que el saxofón soprano, e incluso el sopranino, a veces están fabricados en el estilo curvo aun cuando no sea estrictamente necesario. En cambio, aunque los altos y tenores rectos también existen, son más raros. Sin embargo, lo más común es que los saxofones altos y tenor incorporen un recodo curvo encima del agujero de tono más alto, pero debajo de la llave de octava superior, inclinando la boquilla formando un ángulo recto. El barítono, el bajo y el  contrabajo amplían la longitud del calibre principalmente por el plegado doble de esta sección.

Con una digitación sencilla, el saxofón moderno es generalmente considerado un instrumento fácil de aprender, especialmente cuando se procede de otros instrumentos de viento madera, aunque a pesar de esto se requiere una cantidad considerable de práctica y trabajo para alcanzar un sonido con color y correctamente afinado. El saxofón usa una boquilla con una sola caña similar a la del clarinete, aunque es mayor la del saxofón y posee una cámara interior hueca redonda o cuadrada y es más amplia que la del clarinete. 

Partes del Saxofón:

Así se hace el saxofón:

 

Así suena el saxofón:

El Rock

Hoy hablaremos sobre el rock, un término amplio que agrupa a una variedad de géneros musicales. Su forma originaria, conocida como rock and roll, surgió mayormente de la combinación de dos géneros anteriores como eran el rhythm and blues y el country. La música rock también se nutrió fuertemente del blues y el folk, e incorporó influencias del jazz, la música clásica y otras fuentes. El rock se ha centrado en la guitarra eléctrica, normalmente como parte de un grupo de rock con cantante, bajo, batería y, algunas veces, instrumentos de teclado como el órgano y el piano. Típicamente, el rock es una música centrada en las canciones, habitualmente con compás de 4/4 y usando una estructura verso-estribillo, pero el género se ha vuelto extremadamente diverso y las características musicales comunes son difíciles de definir. Como la música pop, las letras se centran a menudo en el amor romántico, pero también tratan un rango amplio de otros temas con un enfoque frecuente en lo social y lo político. El rock pone más énfasis en la composición, la actuación en vivo y la autenticidad que la música pop.

A finales de la década de 1960, referida como la "era dorada" o el periodo del "rock clásico", surgieron distintos subgéneros distintivos del rock, híbridos como el blues rock, folk rock, country rock y el jazz rock fusión, muchos de los cuales contribuyeron al desarrollo del rock psicodélico, influenciado por la escena psicodélica contra - cultural. Los nuevos géneros que emergieron de esta escena incluyen el rock progresivo, que extendió los elementos artísticos; el glam rock, que resaltó el espectáculo en vivo y el estilo visual; y el subgénero mayor, diverso y longevo que es el heavy metal, que se centraba en el volumen, el poder y la velocidad. En la segunda mitad de los años 1970, el punk intensificó y reaccionó contra algunas de estas tendencias para producir una música cruda y energética. El punk fue una influencia en la década de 1980 en el desarrollo subsecuente de otros subgéneros, entre ellos el new wav, el post - punk y el movimiento del rock alternativo. Desde la década de 1990, el rock alternativo comenzó a dominar el género y saltó a la fama en las formas de grunge, Britpop e indie rock. Desde entonces han aparecido otros subgéneros de fusión como el pop punk, rap rock y nu metal, así como intentos conscientes de recordar la historia del rock, incluyendo la restauración de principios del nuevo milenio del garage rock, el post - punk y el synth pop.

La música rock también abarcó y sirvió de vehículo para los movimientos culturales y sociales, llevando a la creación de subculturas importantes incluyendo los mods y los rockers en el Reino Unido, y la contracultura hippie que se propagó en San Francisco (Estados Unidos) en la década de 1960. 

Así suena la música Rock:

El ritmo

TRABAJANDO EL RITMO

Les presento unos vídeos para realizar en clase actividades de ritmo. Estas actividades sirven para repasar las figuras, los silencios, los compases, etc. También son interesantes para desarrollar la atención, la coordinación y la memoria musical. La actividad consiste en interpretar los ritmos que aparecen en el vídeo siguiendo el pulso propuesto, así de sencillo. Los ritmos van apareciendo por compases, en los ejemplos que vais a ver salen fórmulas rítmicas de 4/4 de forma continua. Las figuras musicales propuestas en los ritmos son Negra, Corcheas, Silencio de Negra y el ritmo Corchea-dos semicorcheas. Los vídeos pertenecen al canal de vídeo de la profesora de música Debbie O'Shea, podéis consultarlo para buscar otros vídeos con ritmos.

¿Cómo podemos ampliar la actividad?

Podemos interpretar los ritmos con palmas, con las sílabas TA (negra) TI TI (corcheas) TACA (semicorcheas), con baquetas en la silla, coordinando las dos manos, etc. Es interesante que las negras tengan un sonido y las corcheas otro diferente, hoy en clase hemos probado con los vasos de la siguiente forma: Vaso boca abajo para la negra, vaso boca arriba para las corcheas.

Podemos proponer otras sílabas para las diferentes figuras o diferentes sonidos percutidos. Para ello, buscamos sonidos con los cacharros de clase y la percusión corporal, con un poco de imaginación habría que conseguir que ningún alumno repita sonido.

Por supuesto, podemos crear nuestros propios vídeos para cambiar las fórmulas rítmicas y adaptarlas a los ritmos y figuras que estemos aprendiendo en clase.

LA FLAUTA TRAVESERA

APRENDE MÁS SOBRE LA FLAUTA TRAVESERA

La flauta travesera, a pesar de estar hecha de metal, pertenece a la familia del viento-madera porque las primeras flautas que se construyeron eran todas de madera, pero con la aparición de las máquinas comenzaron a construirse mayoritariamente de metal. La flauta travesera tiene una embocadura de bisel. Para poder hacer diferentes notas, hay que apretar las llaves metálicas con los dedos. Las flautas traveseras en la orquesta suelen estar al lado de los oboes y delante de los clarinetes. Existen diferentes tamaños, pero las flautas más utilizadas son: el flautín y la flauta travesera (en Do).

Los materiales con que se construye son: (antiguamente) hueso, madera, metal de un tipo o diversas aleaciones, plástico, alpaca o combinaciones entre todos ellos. En la elección de los diferentes materiales inciden cuestiones como el nivel del ejecutante y su presupuesto, en relación al costo de un instrumento hecho de metales preciosos. También algunos flautistas creen que el material influye decisivamente en el sonido, y así se atribuye a la plata un sonido claro y brillante, al oro un sonido cálido y más oscuro, lo mismo que a las flautas de madera. Un estudio que utilizó flautas de siete materiales distintos no encontró evidencias de que el material del tubo tenga algún efecto apreciable en el color del sonido o el rango dinámico del instrumento. El aspecto más importante es la idea del sonido de la flauta que cada ejecutante construya con su estudio. Es la columna de aire, que vibra dentro del tubo y que es puesta en acción por el aliento del flautista, la que crea el sonido que escuchamos.

EVOLUCIÓN

La flauta travesera tradicional estaba fabricada de madera, y básicamente consistía en un tubo en el cual se practicaban los pertinentes orificios. En el siglo XIX Theobald Böhm perfeccionó el instrumento, modificando el método de fabricación, añadiéndole nuevos orificios e introduciendo un sofisticado sistema de llaves, más ergonómico, que facilitaba la digitación. Si bien se puede fabricar con platos cerrados (es decir, la llave que pulsa cada dedo carece de orificio), lo habitual hoy día es fabricarla con platos abiertos.

Desde entonces el diseño de la flauta travesera no ha sufrido prácticamente cambios de importancia. Sin embargo, los materiales para fabricarla sí han cambiado; hoy en día, se fabrican flautas de metal, plata y hasta oro. La calidad de su material influye mucho en la calidad del sonido. Además, mejora notablemente si se fabrica la boquilla con especificaciones detalladas que varían según el intérprete y sus necesidades o requerimientos. La flauta travesera es uno de los instrumentos de viento más complicados de tocar sobre todo por la posición de la embocadura para hacerla sonar, destacando también las octavas que necesitan una mayor fuerza del aire. También es el instrumento capaz de llegar más agudo contando con 3 octavas y 4 Do, sin contar con la presencia de su hermano el piccolo, que es mucho más agudo que ésta, simplemente que es menos usado: se utiliza sobre todo en pasajes precoces ya que es cuando se aprecia mejor el sonido del piccolo.

Así se hace la Flauta Travesera:

Así suena la Flauta Travesera:

Orquesta Filarmónica

LA ORQUESTA FILARMÓNICA

La orquesta filarmónica es una agrupación o conjunto musical de gran tamaño que cuenta con varias familias de instrumentos musicales, como el viento madera, viento metal, percusión y cuerda. Una orquesta sinfónica o filarmónica tiene, generalmente, más de ochenta músicos en su lista. Sólo en algunos casos llega a tener más de cien, pero el número de músicos empleados en una interpretación particular puede variar según la obra que va a ser ejecutada. El término «orquesta» se deriva de un término latino que se usaba para nombrar a la zona frente al escenario destinada al coro y significa ‘lugar para bailar'.

La orquesta sinfónica u orquesta filarmónica es una agrupación o conjunto musical de gran tamaño que cuenta con varias familias de instrumentos musicales, como el viento madera, viento metal, percusión y cuerda. Una orquesta sinfónica o filarmónica tiene, generalmente, más de ochenta músicos en su lista. Sólo en algunos casos llega a tener más de cien, pero el número de músicos empleados en una interpretación particular puede variar según la obra que va a ser ejecutada. El término «orquesta» se deriva de un término latino que se usaba para nombrar a la zona frente al escenario destinada al coro y significa ‘lugar para bailar'.

La orquesta de cámara o sinfónica típica consta de cuatro grupos proporcionales de instrumentos musicales similares, por lo general aparecen en las partituras en el siguiente orden (con sus respectivas proporciones indicadas):

• Viento madera: 1 flautín, 2 flautas, 2 oboes, 1 corno inglés, 2 clarinetes y 2 fagots. Ocasionalmente también se incluyen 1 clarinete bajo o 1 contrafagot y saxofones
• Viento metal: de 2 a 5 trompetas, de 2 a 6 trompas, 2 o 3 trombones tenores y 1 o 2 bajos. Ocasionalmente, 1 tuba.
• Percusión: varía muchísimo dependiendo de la obra, pudiendo encontrar timbales y caja.
• Cuerdas: 40 violines, de 8 a 12 violas o más, de 8 a 12 chelos o más y de 5 a 8 contrabajos o más. Ocasionalmente también se incluyen arpa y piano.

Cada sección de la orquesta tiene una colocación determinada de 15 tipos de instrumentos, que ha venido siendo normalizada por la potencia sonora de los instrumentos. Así, los instrumentos de cuerda se sitúan al frente, de más agudo a más grave, detrás se colocan los instrumentos de viento, primero madera y luego metal, y al final se colocan los instrumentos de percusión y el piano.

De estos instrumentos, hay muchos que son el corazón de la orquesta y nunca se renuncia a ellos, y otros que son auxiliares y no siempre aparecen en la orquesta, pese a ser parte del modelo estándar. Por ejemplo, los violines son imprescindibles pero el piano no siempre se encuentra.

El director de la orquesta cumple con una función principal respecto a la orquesta sinfónica, puesto que es el que la dirige e incluso da la formación musical. Es una persona que no sólo mantiene el tiempo de la pieza y da las entradas de los instrumentos para que la interpretación sea coherente, sino que debe interpretar la partitura según el concepto “global”, manteniéndose fiel al espíritu original de la obra, pero dando una visión personal. Para conseguirlo, debe conocer en profundidad la vida y obra de los compositores. El director no aparece en la orquesta hasta el siglo XIX, cuando realmente se establecieron los estándares de orquesta sinfónica, y surgió casi por motivos estéticos.

Antes era el primer violín (concertino), el clavecinista u organista quien dirigía (continuista), y actualmente se encargan de afinar el conjunto y de la colocación del director dentro del campo visual de los intérpretes. El solista en las obras se sitúa junto al director.

¿Cómo suena una Orquesta Filarmónica?

Actividad 2

ACTIVIDAD 2

‘’El director de orquesta’’

• ·       En pequeños grupos, se seleccionará a un director.
•      Cada alumno/a tendrá asignado una vocal (A, E, I, O, U).
•      Cuando el director marque muchas veces con el movimiento de las manos, el alumnado deberá repetir la vocal tantas veces como le indique el director.
•      Si el director coloca las manos fijas, los alumnos deberán mantener la vocal.

                 Ejemplo: A-A-A-A-A-A (Sonidos cortos)             AAAAAAAAA (Sonidos largos)  

Banda de Música

BANDA DE MÚSICA

Hola a todos, hoy vamos a hablar sobre una de las agrupaciones musicales más usadas en pueblo y ciudades de todo el mundo. ¿Qué es una Banda de Música?

Una banda de música es una agrupación musical formada básicamente por instrumentos de viento o de cuerda y percusión. Un factor importante es que la banda esté constituida por instrumentos que puedan ser tocados mientras el músico marcha en los desfiles, o en las batallas, para los cuales se utiliza la banda.

(En ocasiones se utiliza el término "banda" (del inglés band) para designar a grupos musicales como bandas de rock, pop) y otro tipo de agrupaciones que siendo también un tipo de conjunto musical nada tienen que ver con el concepto de "banda de música". La palabra "banda" por su significado (refiriéndonos a la faja o insignia militar) pudo haber terminado relacionándose definitivamente con este tipo de formación musical porque (en sus orígenes las bandas estaban íntimamente ligadas al mundo militar.)

Las bandas de música gozan de una larga historia, tan antigua como la de la propia música dado que ya en textos sumerios, egipcios, hebreos, chinos y de otras civilizaciones antiguas encontramos referencias a agrupaciones de instrumentos de viento y percusión que servían para acompañar el combate o durante el culto religioso.

No obstante, el concepto de banda en la actualidad está más ligado, por sus instrumentos más evolucionados y su estructura, a las bandas que existieron en el siglo XVII. Estas bandas cumplían una función organizativa en el combate, además de ser inspiradoras de las tropas con himnos o canciones nacionales o incluso animar los actos oficiales.

El desarrollo y mejora de las bandas es una historia paralela al desarrollo de los propios instrumentos que la van conformando desde la evolución del antiguo sacabuche al moderno trombón, o ya sea la aparición de nuevos instrumentos como el clarinete o el saxofón.

El uso de bandas se volvió más usual cuando los romanos iban a la batalla, utilizaban instrumentos como el clarín, para subir la moral a sus tropas al ir a la batalla.

Colocación instrumental de una banda de música:

En el siguiente vídeo vamos a poder ver y escuchar la Banda Municipal de Música de la Ciudad de Gáldar en la cual soy componente, concretamente como trompeta primera. ¡Espero que les guste!

EL CLARINETE

APRENDE MÁS SOBRE EL CLARINETE

El clarinete es un instrumento musical de la familia de los instrumentos de viento-madera que consta de una boquilla con caña simple. Dentro de la orquesta, se encuentra en la sección del viento-madera, junto a la flauta, el oboe y el fagot.

El clarinete pertenece a la familia de los vientos de madera, al igual que la flauta, el oboe y el fagot. Es un aerófono de lengüeta simple. La lengüeta está hecha de caña de la especie Arundo donax. El cuerpo del instrumento puede estar hecho de madera (tradicionalmente de ébano o granadillo), ebonita o metal y su perfeccionamiento, en el siglo XIX, con un sistema de llaves mejorado lo situó en un lugar privilegiado entre los instrumentos. La belleza de su timbre lo hace apto para interpretar pasajes como solista además de ser un instrumento de enorme agilidad y sonoridad, en especial para la ejecución de trinos y cromatismos.

El nombre proviene del término clarín, que se usaba antiguamente para referirse a trompeta natural empleada en su registro más agudo. En el Barroco se exigía un uso cada vez más amplio de esos agudos de la trompeta porque de esta manera se podía aprovechar el registro melódicamente más completo, ya que al subir por la gama de armónicos estos se encuentran más unidos ahí que en el registro grave donde los intervalos son más grandes. Hoy en día esto se combate en los instrumentos de metal mediante el uso de pistones o válvulas, pero en el siglo XVII los trompetistas tenían que conseguirlo gracias a su técnica y habilidad, combinando la fuerza del diafragma y la destreza de la embocadura. Además, tenían que saber interpretar líneas melódicas bastante virtuosas con todo tipo de alteración cromática.

El timbre del clarinete es rico en matices y posibilidades expresivas. Junto a la flauta y el violín es el instrumento más ágil de la orquesta; puede emitir cualquier matiz extremo en cualquiera de sus registros, lo que hace de este instrumento una voz sumamente versátil, dicha capacidad de emitir matices extremos en cualquier registro es única entre todos los instrumentos de viento. También es uno de los instrumentos con una de las extensiones más grandes en su registro.

Partes del clarinete:

 HISTORIA

El clarinete procede de un instrumento muy antiguo. Hay constancia de que existía en el medio oriente (véase el Zummarah o el Arghul) y que se fabricaban instrumentos primitivos y pastoriles que serían los ancestros del clarinete, haciendo un corte, para la boquilla en un palo de caña o bambú y añadiendo unos agujeros más abajo para cambiar las notas. En Europa se creó un instrumento todavía muy simple, el chalumeau, que llegó a ser popular en Francia en los siglos XV y XVI y que constaba de 7 agujeros. Entre finales del siglo XVII y comienzos del XVIII, el chalumeau fue modificado para que una de las llaves, hasta entonces usada para añadir notas extras al registro de fundamentales, se aprovechara como llave de registro para producir armónicos a una doceava (octava más quinta) por encima de su registro fundamental. En este momento y de este principio nació el primer clarinete. Este desarrollo se suele atribuir al fabricante de instrumentos, el alemán Johann Christoph Denner.

Los originales instrumentos de Denner tenían pocas llaves y le faltaban algunas notas entre el registro grave el chalumeau y el clarín, pero él y otros fabricantes iban añadiendo llaves hasta acabar de rellenar el hueco o paso entre los dos registros se fabricó un instrumento por primera vez con una extensión cromática completa de más de dos octavas y medio en el año 1791, el mismo año en que se ocupó el primer puesto de profesor de clarinete en el Conservatorio de París y también en el que Mozart escribió su célebre concierto para el instrumento. El clarinete clásico de Mozart típicamente tenía ocho agujeros para los dedos y cinco llaves. Esto marca el comienzo de la evolución del instrumento hasta su estado actual, en el que hay fundamentalmente dos tipos de clarinetes según el mecanismo: el sistema Boehm usado en casi toda Europa, Asia y América y el Öhler utilizado en Alemania, Austria y algunos países del este. 

El clarinete fue acogido rápidamente por las orquestas y su sonido se iba amoldando y cuajando con la textura de los demás vientos de la orquesta. A Mozart le encantaba el sonido del clarinete que él consideraba como lo más cercano a la voz humana y escribió numerosas piezas para el instrumento. Ya en los tiempos de Beethoven (1800-1820) el instrumento realizaba un papel imprescindible en cualquier orquesta. Igualmente, el clarinete ha participado en la revolución musical que supuso, y supone, el jazz. Desde su integración incontestable en las primeras agrupaciones jazzísticas y en las big bands hasta la existencia de grandes instrumentistas de jazz que tomaron el clarinete como vehículo de expresión.

Así se fabrica el clarinete:

Así suena el clarinete:

Actividad 1

Hola, hoy traigo una una actividad como propuesta para trabajar una de las cualidades del sonido, la altura. Recordamos que la altura es la cualidad del sonido que nos permite distinguir un sonido agudo de otro grave.

ACTIVIDAD 1

‘’El flautista de Hamelín’’

• El docente o un alumno/a será el flautista, uno de ellos irá tocando una melodía inventada con la flauta.
• Cuando suene los sonidos agudos, los niños (ratitas) tendrán que ir siguiendo al flautista e ir bailando detrás de él.
• El flautista, el cual siente que hay alguien persiguiéndolo, empieza a tocar sonidos graves, por lo que todos irán caminando agachados sin hacer ruido, así el flautista, al darse la vuelta no podrá verlos y pensará que no hay nadie detrás de él.
   
  

Mapa Sonoro

EL MAPA SONORO

Hola, hoy vamos a hablar sobre el mapa sonoro y para qué sirve.

¿Qué es un mapa sonoro? 

También conocidos como mapa acústico, mapa de ruido o mapa estratégico de ruido. El mapa sonoro es una técnica que existe desde hace tiempo en el mundo de la acústica y que se realiza para conocer las condiciones sonoras de una zona, barrio o ciudad.  

Este en particular lo he realizado yo para la asignatura de Lenguaje Musical, en la Facultad de Ciencias de la Educación, (ULPGC). En él se representan los diferentes sonidos y ruidos que se pueden percibir en el entorno de la facultad. En el mapa podemos encontrar dibujos y palabras onomatopéyicas (imitación lingüística o representación de un sonido natural o de otro acto acústico).

LA TUBA

APRENDE MÁS SOBRE LA TUBA

Hola hoy hablaremos sobre la tuba. Los antecesores de la tuba se situarían en el serpentón, este instrumento fue desplazado rápidamente por la tuba, que fue creada el 1830. No podemos considerar la tuba una evolución del serpentón ya que son instrumentos muy diferentes. Es un instrumento que no ha experimentado pocas modificaciones, pero en el siglo XX se creó una variante que es muy utilizada en las bandas de música, el helicón.

La tuba es el instrumento más grave de su familia (viento metal). Consta de un tubo cónico de unos cinco metros y medio que se va haciendo grande a medida que se acerca a la campana o pabellón.

La boquilla de la tuba se coloca al principio del tubo y es en semiesfera igual que la de la trompeta y el trombón. Igual que otros instrumentos de viento metal, contiene un sistema de válvulas que alarga o acorta el tubo. Es un instrumente de sonido potente pero poco ágil en el registro grave donde el músico ha de respirar frecuentemente porque se necesitan grandes cantidades de aire.

Aunque hay diferentes tamaños de tubas, la tuba no es un instrumento transpositor pero existen variantes como el bombardino que esta afinado en si b que es una tuba de tamaño reducido y sonido más agudo que es utilizada en las bandas. Los primeros instrumentos de metal bajos de válvulas se fabricaron en Alemania y Australia en la década de 1820. Gracias a la mejora, en la segunda mitad del siglo era ya habitual en bandas y orquestas.

Partes de la Tuba:

Así se hace la Tuba:

Así suena la Tuba:

Documental

Mi cerebro musical

(National Geographic)

TRECE EFECTOS POSITIVOS DE LA MÚSICA

FELICIDAD

En 2013 una investigación publicada en la revista “Journal of Positive Psychology” (Revista de Psicología positiva), demostró que escuchar música puede ser una forma efectiva de mejorar la felicidad, particularmente cuando se combina con una intención de ser feliz.

Los participantes que escuchaban música mientras tenían la intención de ser felices, mejoraron su felicidad. Mientras que los participantes que escucharon música sin intención de ser felices, no mejoraron.

PREVIENE ENFERMEDADES DEL CORAZÓN

Seguramente habrás notado que la música puede ayudarte a reducir la ansiedad o el estrés. De hecho, se ha demostrado que reduce el estrés y ansiedad asociados con enfermedades del corazón. Una investigación de 2009 demostró que escuchar música reduce la frecuencia cardíaca, la presión sanguínea y la ansiedad en enfermos del corazón.

AYUDA A HACER EJERCICIO

Investigadores de Reino Unido demostraron en un estudio que los participantes que escuchaban a música motivacional se sentían mejor durante el ejercicio.

En otro estudio, se midió el consumo de niveles de oxígeno mientras las personas escuchaban diferentes ritmos musicales al hacer ejercicio en bicicleta.

Los resultados mostraron que cuando el ritmo era más rápido y sincronizado con su movimiento, sus cuerpos consumían oxígeno de forma más eficiente.

SIENTES ESCALOFRÍOS (POSITIVOS)

De acuerdo a un estudio publicado en 2010, el 90% de las personas sienten escalofríos en la espina dorsal al escuchar música.

Y el grado de escalofríos depende de la personalidad. Las personas que son abiertas a la experiencia sienten más escalofríos. Además, estas personas tienen más probabilidades de tocar un instrumento y de considerar a la música como importante en sus vidas.

MEJORA LA INTELIGENCIA VISUAL Y VERBAL

Que escuchar a Mozart incrementa la inteligencia si es un mito de la psicología. Sin embargo, practicar el piano si mejorará tus habilidades visuales y verbales. Así lo demostró un estudio publicado en 2008 por investigadores de la Universidad de Massachusetts.

INDUCE EMOCIONES PLACENTERAS

Esto no es nada nuevo, pero te sorprenderá que la música triste también eleva el estado ánimo. De acuerdo a un estudio publicado en 2013, se disfruta la música triste porque provoca una mezcla de emociones, algunas positivas y otras negativas.

En palabras de los propios autores

“Los resultados revelaron que la música triste fue percibida como más trágica, mientras que las experiencias de los participantes que escuchaban la música triste era de sentimientos románticos y alegres. Por tanto, los participantes perciben emociones ambivalentes cuando escuchan la música triste.”

MEJORA LAS RELACIONES PERSONALES

Un estudio de 2013 de la Universidad de Jyväskylä, encontró que los alumnos que tenían clases extracurriculares de música, reportaban mayor satisfacción en el colegio en casi todas las áreas del colegio.

En palabras de los propios autores de la investigación: “los resultados sugieren que estudiar música provee de beneficios sociales medibles. Los alumnos con educación musical extendida estaban generalmente más satisfechos que los alumnos con una educación musical normal“.

PUEDE MEJORAR LA MEMORIA

Disfrutar de la música fomenta la liberación de dopamina en el cerebro, la cual esta ligada a la motivación y esta está implicada en el aprendizaje y en la memoria.

En un estudio de 2008 se demostró que los pacientes que escuchaban música mejoraron significativamente la memoria verbal y en la focalización de la atención.

VER MEJOR A LOS DEMÁS

De acuerdo a un estudio de la Universidad de Londres, escuchar música durante 15 segundos puede cambiar la forma en que se juzga la cara de otras personas.

Escuchar solo un poco de música animada, hace que se perciban las caras como más felices. Lo mismo ocurre con la música triste: al escuchar música triste, percibimos las caras de los demás como más tristes.

Por tanto, las personas proyectan el ánimo de la música que escuchan a las caras de las personas.

PODRÍA HACER RECUPERAR PARTE DE LA VISIÓN

Las personas que tienen derrames cerebrales pueden perder la visión de una parte de su campo visual.

Pues bien, un estudio de 2013, demostró que escuchar música clásica puede mejorar la visión de pacientes que han tenido derrames cerebrales y que solo tienen un campo de visión.

En palabras de los autores del estudio:

“Escuchar música clásica podría mejorar la atención visual en pacientes con visión unilateral”.

RETRASA EL ENVENJECIMIENTO CEREBRAL

La investigación ha demostrado también que escuchar o tocar música en la madurez puede ayudar a retrasar el envejecimiento cerebral y a mantenerlo sano. También se espera que mejore la memoria.

MEJORA LA CALIDAD DEL SUEÑO

Algunos de los problemas comunes que interfieren con el sueño son el estrés y la ansiedad. Debido a que la música mejora ambos, la investigación ha demostrado que escuchar música a ciertas horas promueve la calidad del sueño. 

REDUCE EL DOLOR

La música puede reducir el dolor percibido, especialmente en cuidados geriátricos, intensivos o paliativos.

En un estudio de 2013, 60 personas con fibromialgia fueron asignadas a escuchar música una vez al día durante 4 semanas. En comparación con el grupo que no escuchó música, el grupo con música experimentó reducción del dolor y menores síntomas de depresión.

Parece que el impacto de la música en los niveles de dopamina podría ser una de las causas de esta reducción del dolor.

PUEDE AYUDAR A APRENDER MEJOR

Helen Neville y otros investigadores realizaron una intervención en 2008 con niños de tres a cinco años para ver efectos de la música como programa de apoyo académico.

Los resultados mostraron que la música como herramienta de apoyo académico es igual de poderosa que el apoyo individualizado, siendo la diferencia fundamental el efecto lúdico ofrecido por la música frente al apoyo individualizado.

¿Y tú qué efectos has observado al escuchar música? Me interesa tu opinión. ¡Gracias!

Cualidades del Sonido

LAS CUALIDADES DEL SONIDO

Hola, hoy hablaremos sobre las cualidades del sonido. Poco a poco iré subiendo algunas actividades relacionadas para trabajar en el aula de música. Primero conoceremos el nombre de cada una y aprenderemos que función tienen en la música.

LA ALTURA: es el límite más agudo o más grave que puede emitir un instrumento. Según la vibración:

•          Tesitura: también llamada ámbito o registro es el recorrido del instrumento desde el sonido más grave hasta el más agudo. Es la extensión de sonido del instrumento.

SONIDO GRAVE                                                                                    SONIDO AGUDO

Menor número de vibraciones                                                                   Mayor número de vibraciones por segundo.                                                                                                         por segundo.

EL TIMBRE: es la cualidad del sonido que permite distinguir unos instrumentos de otros. Cada instrumento tiene un timbre característico: según el material con el que está hecho.

LA INTENSIDAD: Es la mayor o menor amplitud de una vibración. Corresponde con el volumen  o grado de aumento o disminución de la fuerza de un timbre vocal o instrumental percibido por nuestros oídos. Al escuchar una pieza musical observamos que la melodía, crece y decrece en intensidad (sonido más fuerte o más débil). Estas variaciones reciben el nombre de matices.

LA DURACIÓN: es la prolongación del sonido en el tiempo. La duración de los sonidos en la música está representada mediante las figuras musicales.

Cada figura tiene una duración diferente:

EL TROMBÓN

APRENDE MÁS SOBRE EL TROMBÓN

El trombón es un instrumento de viento metal. Es un tubo de 3 metros que se puede estirar alargando la vara. El sonido se produce gracias a la vibración de los labios en la boquilla. Para hacer distintas notas es necesario alargar y encoger la vara y cambiar la presión del aire (soplar más rápido y con más presión para producir notas más agudas). El sonido sale por la campana. Los trombones igual que todos los instrumentos de viento-metal tienen un accesorio llamado sordina, que se coloca dentro de la campana con el fin de disminuir el volumen y conseguir otros efectos sonoros. En la orquesta las trombones se suelen colocar detrás de la sección de viento-madera y al lado de la tuba.

Michael Praetorius describió en el siglo XVII al trombón como “el instrumento de viento por excelencia en música concertada de cualquier clase”. Esto en parte era debido a la naturaleza del sacabuche, así llamado en España, dotado de una doble vara que le permitía tocar con perfecta afinación en prácticamente cualquier tono, mientras que los instrumentos con agujeros para los dedos estaban usualmente construidos para tocar óptimamente en una sola tonalidad. Esta facultad debió de ser muy valiosa cuando el diapasón variaba enormemente de una ciudad a otra, o incluso entre sus diferentes capillas. La versatilidad del trombón también provenía del hecho de poder ser tocado lo bastante piano como para acompañar voces solas, violines e incluso flautas, mientras el mismo instrumento podía acompañar a las chirimías y las cornetas en las torres y los desfiles.

El trombón esta integrado en la orquesta en el grupo de los metales y forma generalmente un trío que antiguamente estaba compuesto de un trombón alto, otro tenor y otro bajo. Hoy en día suelen ser dos tenores y un bajo moderno, en el mismo tono que los tenores pero provisto de dos válvulas que le permiten tocar una octava por debajo de éstos y suele estar acompañados por la tuba. Decimos generalmente que Beethoven lo introdujo en la orquesta con su Quinta Sinfonía, y de esta manera pasamos por alto más de trescientos años de una intensa participación del trombón en todo tipo de agrupaciones camerísticas y orquestales, bien como solista, o bien como acompañante de voces.

Partes del trombón:

Así se hace el trombón:

Así suena el trombón