Hola a todos, hoy vamos a
hablar sobre una de las agrupaciones musicales más usadas en pueblo y ciudades de todo el mundo. ¿Qué es una Banda de Música?
Una banda de música es
una agrupación musical formada básicamente por instrumentos de viento o de
cuerda y percusión. Un factor importante es que la banda esté constituida por
instrumentos que puedan ser tocados mientras el músico marcha en los desfiles,
o en las batallas, para los cuales se utiliza la banda.
(En ocasiones se utiliza
el término "banda" (del inglés band) para designar a grupos musicales
como bandas de rock, pop) y otro tipo de agrupaciones que siendo también un
tipo de conjunto musical nada tienen que ver con el concepto de "banda de
música". La palabra "banda" por su significado (refiriéndonos a
la faja o insignia militar) pudo haber terminado relacionándose definitivamente
con este tipo de formación musical porque (en sus orígenes las bandas estaban
íntimamente ligadas al mundo militar.)
Las bandas de música
gozan de una larga historia, tan antigua como la de la propia música dado que
ya en textos sumerios, egipcios, hebreos, chinos y de otras civilizaciones
antiguas encontramos referencias a agrupaciones de instrumentos de viento y
percusión que servían para acompañar el combate o durante el culto religioso.
No obstante, el concepto
de banda en la actualidad está más ligado, por sus instrumentos más
evolucionados y su estructura, a las bandas que existieron en el siglo XVII.
Estas bandas cumplían una función organizativa en el combate, además de ser
inspiradoras de las tropas con himnos o canciones nacionales o incluso animar
los actos oficiales.
El desarrollo y mejora de
las bandas es una historia paralela al desarrollo de los propios instrumentos
que la van conformando desde la evolución del antiguo sacabuche al moderno
trombón, o ya sea la aparición de nuevos instrumentos como el clarinete o el
saxofón.
El uso de bandas se
volvió más usual cuando los romanos iban a la batalla, utilizaban instrumentos
como el clarín, para subir la moral a sus tropas al ir a la batalla. Colocación instrumental de una banda de música:
En el siguiente vídeo
vamos a poder ver y escuchar la Banda Municipal de Música de la Ciudad de
Gáldar en la cual soy componente, concretamente como trompeta primera. ¡Espero
que les guste!
El clarinete es un instrumento musical de la familia de
los instrumentos de viento-madera que consta de una boquilla con caña simple.
Dentro de la orquesta, se encuentra en la sección del viento-madera, junto a la
flauta, el oboe y el fagot.
El clarinete pertenece a la familia de los vientos de
madera, al igual que la flauta, el oboe y el fagot. Es un aerófono de lengüeta
simple. La lengüeta está hecha de caña de la especie Arundo donax. El cuerpo
del instrumento puede estar hecho de madera (tradicionalmente de ébano o
granadillo), ebonita o metal y su perfeccionamiento, en el siglo XIX, con
un sistema de llaves mejorado lo situó en un lugar privilegiado entre los
instrumentos. La belleza de su timbre lo hace apto para interpretar pasajes
como solista además de ser un instrumento de enorme agilidad y sonoridad, en
especial para la ejecución de trinos y cromatismos.
El nombre proviene del término clarín, que se usaba
antiguamente para referirse a trompeta natural empleada en su registro más
agudo. En el Barroco se exigía un uso cada vez más amplio de esos agudos de la
trompeta porque de esta manera se podía aprovechar el registro melódicamente
más completo, ya que al subir por la gama de armónicos estos se encuentran más
unidos ahí que en el registro grave donde los intervalos son más grandes. Hoy
en día esto se combate en los instrumentos de metal mediante el uso de pistones
o válvulas, pero en el siglo XVII los trompetistas tenían que conseguirlo
gracias a su técnica y habilidad, combinando la fuerza del diafragma y la
destreza de la embocadura. Además, tenían que saber interpretar líneas
melódicas bastante virtuosas con todo tipo de alteración cromática.
El timbre del clarinete es rico en matices y
posibilidades expresivas. Junto a la flauta y el violín es el instrumento más
ágil de la orquesta; puede emitir cualquier matiz extremo en cualquiera de sus
registros, lo que hace de este instrumento una voz sumamente versátil, dicha
capacidad de emitir matices extremos en cualquier registro es única entre todos
los instrumentos de viento. También es uno de los instrumentos con una de las
extensiones más grandes en su registro.
Partes del clarinete:
HISTORIA
El clarinete procede de un instrumento muy antiguo. Hay
constancia de que existía en el medio oriente (véase el Zummarah o el Arghul) y
que se fabricaban instrumentos primitivos y pastoriles que serían los ancestros
del clarinete, haciendo un corte, para la boquilla en un palo de caña o bambú y
añadiendo unos agujeros más abajo para cambiar las notas. En Europa se creó un
instrumento todavía muy simple, el chalumeau, que llegó a ser popular en
Francia en los siglos XV y XVI y que constaba de 7 agujeros. Entre finales del
siglo XVII y comienzos del XVIII, el chalumeau fue modificado para que una de
las llaves, hasta entonces usada para añadir notas extras al registro de
fundamentales, se aprovechara como llave de registro para producir armónicos a
una doceava (octava más quinta) por encima de su registro fundamental. En este
momento y de este principio nació el primer clarinete. Este desarrollo se suele
atribuir al fabricante de instrumentos, el alemán Johann Christoph Denner.
Los
originales instrumentos de Denner tenían pocas llaves y le faltaban algunas
notas entre el registro grave el chalumeau y el clarín, pero él y otros
fabricantes iban añadiendo llaves hasta acabar de rellenar el hueco o paso
entre los dos registros se fabricó un instrumento por primera vez con una
extensión cromática completa de más de dos octavas y medio en el año 1791, el
mismo año en que se ocupó el primer puesto de profesor de clarinete en el
Conservatorio de París y también en el que Mozart escribió su célebre concierto
para el instrumento. El clarinete clásico de Mozart típicamente tenía ocho
agujeros para los dedos y cinco llaves. Esto marca el comienzo de la evolución
del instrumento hasta su estado actual, en el que hay fundamentalmente dos
tipos de clarinetes según el mecanismo: el sistema Boehm usado en casi toda
Europa, Asia y América y el Öhler utilizado en Alemania, Austria y algunos
países del este.
El clarinete fue acogido rápidamente por las orquestas y su
sonido se iba amoldando y cuajando con la textura de los demás vientos de la
orquesta. A Mozart le encantaba el sonido del clarinete que él consideraba como
lo más cercano a la voz humana y escribió numerosas piezas para el instrumento.
Ya en los tiempos de Beethoven (1800-1820) el instrumento realizaba un papel
imprescindible en cualquier orquesta. Igualmente, el clarinete ha participado en la
revolución musical que supuso, y supone, el jazz. Desde su integración
incontestable en las primeras agrupaciones jazzísticas y en las big bands hasta
la existencia de grandes instrumentistas de jazz que tomaron el clarinete como
vehículo de expresión.
Hola, hoy traigo una una actividad como propuesta para trabajar una de las cualidades del sonido, la altura. Recordamos que la altura es la
cualidad del sonido que nos permite distinguir un sonido agudo de otro grave.
ACTIVIDAD 1
‘’El flautista de Hamelín’’
El docente o un alumno/a será el flautista, uno de ellos
irá tocando una melodía inventada con la flauta.
Cuando suene los sonidos agudos, los niños (ratitas)
tendrán que ir siguiendo al flautista e ir bailando
detrás de él.
El flautista, el cual siente que hay alguien
persiguiéndolo, empieza a tocar sonidos graves, por lo que todos irán caminando agachados sin hacer ruido, así el flautista, al darse la vuelta no
podrá verlos y pensará que no hay nadie detrás de él.
Hola, hoy vamos a hablar sobre el mapa sonoro y para qué sirve.
¿Qué es un mapa sonoro?
También conocidos
como mapa acústico, mapa de ruido o mapa estratégico de ruido. El mapa sonoro
es una técnica que existe desde hace tiempo en el mundo de la acústica y que se
realiza para conocer las condiciones sonoras de una zona, barrio o ciudad.
Este en particular lo he realizado yo para la asignatura de Lenguaje Musical, en la Facultad de Ciencias de la Educación, (ULPGC). En él se representan los diferentes sonidos y ruidos que se pueden percibir en el entorno de la facultad. En el mapa podemos encontrar dibujos y palabras onomatopéyicas (imitación lingüística o representación de un sonido natural o de otro acto acústico).
Hola hoy hablaremos sobre la tuba. Los antecesores de la
tuba se situarían en el serpentón, este instrumento fue desplazado rápidamente
por la tuba, que fue creada el 1830. No podemos considerar la tuba una
evolución del serpentón ya que son instrumentos muy diferentes. Es un instrumento que no
ha experimentado pocas modificaciones, pero en el siglo XX se creó una variante
que es muy utilizada en las bandas de música, el helicón.
La tuba es el instrumento
más grave de su familia (viento metal). Consta de un tubo cónico de unos cinco
metros y medio que se va haciendo grande a medida que se acerca a la campana o
pabellón.
La boquilla de la tuba se
coloca al principio del tubo y es en semiesfera igual que la de la trompeta y
el trombón. Igual que otros instrumentos de viento metal, contiene un sistema
de válvulas que alarga o acorta el tubo. Es un instrumente de
sonido potente pero poco ágil en el registro grave donde el músico ha de
respirar frecuentemente porque se necesitan grandes cantidades de aire.
Aunque hay diferentes tamaños
de tubas, la tuba no es un instrumento transpositor pero existen variantes como
el bombardino que esta afinado en si b que es una tuba de tamaño reducido y
sonido más agudo que es utilizada en las bandas. Los primeros instrumentos
de metal bajos de válvulas se fabricaron en Alemania y Australia en la década
de 1820. Gracias a la mejora, en la segunda mitad del siglo era ya habitual en
bandas y orquestas.
En 2013 una investigación publicada en la revista “Journal of Positive
Psychology” (Revista de Psicología positiva), demostró que escuchar música
puede ser una forma efectiva de mejorar la felicidad, particularmente cuando se
combina con una intención de ser feliz.
Los participantes que escuchaban música mientras tenían la intención de
ser felices, mejoraron su felicidad. Mientras que los participantes que
escucharon música sin intención de ser felices, no mejoraron.
PREVIENE ENFERMEDADES DEL CORAZÓN
Seguramente habrás notado que la música puede ayudarte a reducir la
ansiedad o el estrés. De hecho, se ha demostrado que reduce el estrés y
ansiedad asociados con enfermedades del corazón. Una investigación de 2009
demostró que escuchar música reduce la frecuencia cardíaca, la presión
sanguínea y la ansiedad en enfermos del corazón.
AYUDA A HACER EJERCICIO
Investigadores de Reino Unido demostraron en un estudio que los
participantes que escuchaban a música motivacional se sentían mejor durante el
ejercicio.
En otro estudio, se midió el consumo de niveles de oxígeno mientras las
personas escuchaban diferentes ritmos musicales al hacer ejercicio en
bicicleta.
Los resultados mostraron que cuando el ritmo era más rápido y
sincronizado con su movimiento, sus cuerpos consumían oxígeno de forma más
eficiente.
SIENTES
ESCALOFRÍOS (POSITIVOS)
De acuerdo a un estudio publicado en 2010, el 90% de las personas
sienten escalofríos en la espina dorsal al escuchar música.
Y el grado de escalofríos depende de la personalidad. Las personas que
son abiertas a la experiencia sienten más escalofríos. Además, estas personas
tienen más probabilidades de tocar un instrumento y de considerar a la música
como importante en sus vidas.
MEJORA LA
INTELIGENCIA VISUAL Y VERBAL
Que escuchar a Mozart incrementa la inteligencia si es un mito de la
psicología. Sin embargo, practicar el piano si mejorará tus habilidades
visuales y verbales. Así lo demostró un estudio publicado en 2008 por investigadores
de la Universidad de Massachusetts.
INDUCE EMOCIONES PLACENTERAS
Esto no es nada nuevo, pero te sorprenderá que la música triste también
eleva el estado ánimo. De acuerdo a un estudio publicado en 2013, se disfruta
la música triste porque provoca una mezcla de emociones, algunas positivas y
otras negativas.
En palabras de los propios autores
“Los resultados revelaron que la música triste fue percibida como más
trágica, mientras que las experiencias de los participantes que escuchaban la
música triste era de sentimientos románticos y alegres. Por tanto, los
participantes perciben emociones ambivalentes cuando escuchan la música
triste.”
MEJORA LAS
RELACIONES PERSONALES
Un estudio de 2013 de la Universidad de Jyväskylä, encontró que los
alumnos que tenían clases extracurriculares de música, reportaban mayor
satisfacción en el colegio en casi todas las áreas del colegio.
En palabras de los propios autores de la investigación: “los resultados
sugieren que estudiar música provee de beneficios sociales medibles. Los
alumnos con educación musical extendida estaban generalmente más satisfechos
que los alumnos con una educación musical normal“.
PUEDE
MEJORAR LA MEMORIA
Disfrutar de la música fomenta la liberación de dopamina en el cerebro,
la cual esta ligada a la motivación y esta está implicada en el aprendizaje y
en la memoria.
En un estudio de 2008 se demostró que los pacientes que escuchaban
música mejoraron significativamente la memoria verbal y en la focalización de
la atención.
VER MEJOR A
LOS DEMÁS
De acuerdo a un estudio de la Universidad de Londres, escuchar música
durante 15 segundos puede cambiar la forma en que se juzga la cara de otras
personas.
Escuchar solo un poco de música animada, hace que se perciban las caras
como más felices. Lo mismo ocurre con la música triste: al escuchar música
triste, percibimos las caras de los demás como más tristes.
Por tanto, las personas proyectan el ánimo de la música que escuchan a
las caras de las personas.
PODRÍA HACER
RECUPERAR PARTE DE LA VISIÓN
Las personas que tienen derrames cerebrales pueden perder la visión de
una parte de su campo visual.
Pues bien, un estudio de 2013, demostró que escuchar música clásica
puede mejorar la visión de pacientes que han tenido derrames cerebrales y que
solo tienen un campo de visión.
En palabras de los autores del estudio:
“Escuchar música clásica podría mejorar la atención visual en pacientes
con visión unilateral”.
RETRASA EL
ENVENJECIMIENTO CEREBRAL
La investigación ha demostrado también que escuchar o tocar música en la
madurez puede ayudar a retrasar el envejecimiento cerebral y a mantenerlo sano.
También se espera que mejore la memoria.
MEJORA LA
CALIDAD DEL SUEÑO
Algunos de los problemas comunes que interfieren con el sueño son el
estrés y la ansiedad. Debido a que la música mejora ambos, la investigación ha
demostrado que escuchar música a ciertas horas promueve la calidad del sueño.
REDUCE EL
DOLOR
La música puede reducir el dolor percibido, especialmente en cuidados
geriátricos, intensivos o paliativos.
En un estudio de 2013, 60 personas con fibromialgia fueron asignadas a
escuchar música una vez al día durante 4 semanas. En comparación con el grupo
que no escuchó música, el grupo con música experimentó reducción del dolor y
menores síntomas de depresión.
Parece que el impacto de la música en los niveles de dopamina podría ser
una de las causas de esta reducción del dolor.
PUEDE
AYUDAR A APRENDER MEJOR
Helen Neville y otros investigadores realizaron una intervención en 2008
con niños de tres a cinco años para ver efectos de la música como programa de
apoyo académico.
Los resultados mostraron que la música como herramienta de apoyo
académico es igual de poderosa que el apoyo individualizado, siendo la
diferencia fundamental el efecto lúdico ofrecido por la música frente al apoyo
individualizado.
¿Y tú qué efectos has observado al escuchar música? Me interesa tu
opinión. ¡Gracias!
Hola, hoy hablaremos sobre las cualidades del sonido. Poco a poco iré subiendo algunas actividades relacionadas para trabajar en el aula de música. Primero conoceremos el nombre de cada una y aprenderemos que función tienen en la música.
LA ALTURA: es el límite más agudo o más grave que
puede emitir un instrumento. Según la vibración:
• Tesitura:
también llamada ámbito o registro es el recorrido del instrumento desde el
sonido más grave hasta el más agudo. Es la extensión de sonido del instrumento.
SONIDO
GRAVE
SONIDO AGUDO
Menor
número de vibraciones Mayor número de vibraciones por segundo. por segundo.
EL TIMBRE: es la cualidad del sonido que permite distinguir
unos instrumentos de otros.Cada instrumento tiene un timbre característico: según el
material con el que está hecho.
LA INTENSIDAD: Es la mayor o menor amplitud de una
vibración. Corresponde con el volumen o
grado de aumento o disminución de la fuerza de un timbre vocal o instrumental
percibido por nuestros oídos.Al escuchar una pieza musical observamos que la melodía,
crece y decrece en intensidad (sonido más fuerte o más débil). Estas
variaciones reciben el nombre de matices.
LA DURACIÓN: es la prolongación del sonido en el tiempo. La
duración de los sonidos en la música está representada mediante las figuras
musicales.
El
trombón es un instrumento de viento metal. Es un tubo de 3 metros
que se puede estirar alargando la vara. El sonido se produce gracias
a la vibración de los labios en la boquilla. Para hacer distintas
notas es necesario alargar y encoger la vara y cambiar la presión
del aire (soplar más rápido y con más presión para producir notas
más agudas). El sonido sale por la campana. Los trombones igual que
todos los instrumentos de viento-metal tienen un accesorio llamado
sordina, que se coloca dentro de la campana con el fin de disminuir
el volumen y conseguir otros efectos sonoros. En la orquesta las
trombones se suelen colocar detrás de la sección de viento-madera y
al lado de la tuba.
Michael
Praetorius describió en el siglo XVII al trombón como “el
instrumento de viento por excelencia en música concertada de
cualquier clase”. Esto en parte era debido a la naturaleza del
sacabuche, así llamado en España, dotado de una doble vara que le
permitía tocar con perfecta afinación en prácticamente cualquier
tono, mientras que los instrumentos con agujeros para los dedos
estaban usualmente construidos para tocar óptimamente en una sola
tonalidad. Esta facultad debió de ser muy valiosa cuando el diapasón
variaba enormemente de una ciudad a otra, o incluso entre sus
diferentes capillas. La versatilidad del trombón también provenía
del hecho de poder ser tocado lo bastante piano como para acompañar
voces solas, violines e incluso flautas, mientras el mismo
instrumento podía acompañar a las chirimías y las cornetas en las
torres y los desfiles.
El
trombón esta integrado en la orquesta en el grupo de los metales y
forma generalmente un trío que antiguamente estaba compuesto de un
trombón alto, otro tenor y otro bajo. Hoy en día suelen ser dos
tenores y un bajo moderno, en el mismo tono que los tenores pero
provisto de dos válvulas que le permiten tocar una octava por debajo
de éstos y suele estar acompañados por la tuba. Decimos
generalmente que Beethoven lo introdujo en la orquesta con su Quinta
Sinfonía, y de esta manera pasamos por alto más de trescientos años
de una intensa participación del trombón en todo tipo de
agrupaciones camerísticas y orquestales, bien como solista, o bien
como acompañante de voces.
Hola
a todos, el
musicograma es
un dibujo o gráfico que ayuda a comprender la música, a mirarla y a
escucharla de forma activa. Es una representación lo más gráfica
posible de lo que acontece en una obra musical. Esto es fantástico
porque permite al profesor remarcar y trabajar el aspecto musical que
más interese en cada momento. Si creamos nuestros propios
musicogramas podemos enfocarlos a la estructura, a la melodía, al
ritmo, a los instrumentos que suenan, etc. Lo importante es que el
gráfico ayude a comprender y haga que el alumno se involucre en la
audición. Otro aspecto interesante de los musicogramas es la
relación que se crea entre los elementos musicales y los visuales,
por ejemplo podemos relacionar los sonidos de la obra con sonidos de
la naturaleza, el carácter y tempo con la velocidad de la
interactividad, el color de los elementos del musicograma con las
tonalidades musicales, la intensidad musical con el tamaño de las
imágenes, etc. lo cual nos proporciona un abanico impresionante de
posibilidades para que los alumnos trabajen en la creación de
musicogramas dando rienda suelta a su imaginación e intuición
musical.
El
Musicograma es un concepto creado por el pedagogo belga Jos
Wytack a principios de 1970. El objetivo de Wytack era facilitar la
comprensión musical a chicos no músicos. Basándose en su
experiencia ha desarrollado un método de audición activa sobre la
idea de que el alumno puede no ser capaz de leer una partitura, sobre
todo si es de orquesta, pero puede comprender perfectamente su
estructura, los instrumentos que van sonando, etc. Es increíble lo
que se desprende de esta idea de Wytack, se trata de acercar la
música todo tipo de alumnos y que todos participen, disfruten y
lleguen a comprenderla.
A continuación vamos a ver dos musicogramas como ejemplos. Los cuales están realizados por mí, para la asignatura de Nuevas
Tecnologías Aplicadas a la Educación Musical, en el Grado de
Educación Primaria. Uno
de ellos es de música moderna y el otro de música clásica:
Hola
a todos. Después de probar cada juego de “Músicaeduca”, puedo
decir que me he sentido como un niño. Y destacaría los juegos que
consisten en relacionar, ya que sin muy visuales y a la vez te
permite diferenciar y saber el aspecto de algunos instrumentos en
concreto. Además, es muy interesante el apartado de “Quiz” ya
que, permite al alumno ampliar sus conocimientos sobre la música,
tanto de la parte instrumental como de algunos compositores
destacados. La parte de “destrezas” es quizás la más complicada
de utilizar. Por lo general, los juegos están bastante bien, pero
hay que tener en cuenta que si vamos a utilizar este tipo de
metodología orientada hacia las tic’s, debemos valorar que los
alumnos puedan defenderse en el ordenador, y cómo no, que tenga unos
conocimientos previos básicos de lo que se va a trabajar en estos
juegos.
Opino
que siempre hay mejores estrategias didácticas que se puedan
utilizar en el aula, y que resulten mucho más motivadoras y
divertidas para el alumnado, donde aprendan jugando de forma
manipulativa. El caso es buscar la mejor manera de que puedan
aprender la música desde la práctica.
Hola, hoy te propongo una actividad muy divertida. Se trata de inventar pequeños cuentos en los que se puedan incluir sonidos que puedan hacer los niños de forma sencilla. Puedes hacer tu mismo los sonidos o descargarlos de internet. Esos sonidos tienen que estar relacionados con la parte narrativa del cuento.
Como objetivo de esta actividad podemos desarrollar en los niños las capacidades para expresarse artísticamente, mediante la exploración de diversas formas de música y lenguaje.
Como
libro recomendado de esta semana, traigo una propuesta muy
interesante enfocado como tema principal a la nueva educación. Este
libro me lo recomendó un maestro de Primaria en mi primer día de
prácticas. En su contenido podemos encontrar numerosas metodologías
y proyectos diferentes planteados en la Educación Primaria por el
maestro César Bona.
En
este vídeo conocemos al autor del libro, César Bona.
Hoy
conocemos
la herramienta Educaplay que
es una plataforma con
material
interactivo, diversas actividades
que se pueden imprimir para utilizarlas como actividades escritas.
Hay
actividades
como la
ruleta de palabras más conocida como "roscos de pasapalabra",
muy divertida
para trabajar vocabulario, definiciones, etc. Con
la ventaja de que Educaplay permite que las definiciones sean de tres
tipos (como en todas sus actividades): Texto, Imagen y Audio. Esto
significa que podemos hacer roscos de pasapalabra de reconocimiento
visual y auditivo además de la típica definición escrita, para los
docentes de música es una de las mejores herramientas para crear
ejercicios y actividades musicales.
Hola, hoy la protagonista es la Trompa, un instrumento que pertenece a la familia de viento metal. También
llamada Corno
Francés,
probablemente debido a su temprano desarrollo en Francia, nos
referimos usualmente a ella como Trompa. La
trompa
o corno se desarrolló a partir del cuerno de caza, con la adición
de tonos en el siglo XVIII y válvulas a principios del siglo XIX.
Las
Trompas primitivas, corno su nombre implica, estaban hechas de
cuernos vaciados de animales. Más tarde estos instrumentos fueron
hechos de metal y debido a su potencia fueron usados como señales en
campo abierto, especialmente en las batallas y en las llamadas de
caza.
En
sus inicios como instrumento de la orquesta, la trompa sólo podía
tocar las notas de su serie armónica. Si la música cambiaba de
tonalidad, el músico debía, en teoría, de cambiar a una trompa
adecuada. Pronto fue constatado que variando la longitud del tubo
sería una solución. Así, fueron usando tubos extras llamados
"codos". Una cierta ayuda a los intérpretes llegó cuando
a mediados del siglo XVIII, se descubrió que se podían obtener
diferentes notas colocando la mano derecha dentro de la campana.
La
trompa moderna (con una longitud del tubo, incluyendo válvulas de
unos 5m) es un instrumento transpositor. Está afinado musicalmente
en Fa, por lo que su música está escrita una quinta justa mas alta
que el sonido real. Muchos intérpretes usan actualmente una trompa
doble. Esta tiene una cuarta válvula que sitúa el instrumento en
Sib (una cuarta mas alta que la trompa en Fa). Ello permite un mayor
control de las notas altas.
Ahora
veamos como se posicionan las manos en la flauta.
Mira
aquí como sería en la práctica.
EMISIÓN
DEL AIRE
Toma
aire por la boca. Coloca
la lengua detrás de los dientes superiores. Imagina
que estás pronunciando "Tuuuuu" para expulsar el aire.
Ahora
debes mantener una columna de aire regular mientras que la lengua
deja paso a la emisión. Para cortar el sonido, la lengua volverá a
su posición inicial, detrás de los dientes superiores, cortando la
emisión del aire.
